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Estudio Alejandro DJ

Alejandro DJ ofrece GRATIS a través del correo electrónico, pequeños y grandes regalos de ARTE en forma de orientación, ensayos, teorías del arte, opiniones, partes de videos y comentarios relacionados con el arte que serán enviados TODOS los SABADOS a los subscriptores de Estudio Alejandro DJ.

http://www.alejandrodj.com/subscripcion.htm

Regalo de Arte
Alejandro DJ

Alejandro De Jesús tiene más de 60 años de experiencia en el arte y enseñó dibujo y pintura por 28 años todos los sábados a niños y adultos en su estudio de Caguas, Puerto Rico. Actualmente se dedica a orientar a estudiantes a través del Internet en YouTube, su website y un semanario sabatino enviado a todos los estudiantes subscriptores de Regalos de Arte. Su trabajo se ha expuesto en exhibiciones individuales y colectivas a través de Puerto Rico y Estados Unidos, incluyendo lugares como la Cruz Azul de Puerto Rico, Museo de Arte de Caguas, Capitolio de Puerto Rico, Galería Lyzette, Galería del Turabo, Galería Lucas Casillas, Galería Internacional, Café Teatro Félix Caballero, Chesebrough-Pond's, Cearte, Centro de Bellas Artes de Guaynabo, Museo y Casa Rectoría Universidad del Turabo, Centro Cultural Cayrabón en San Lorenzo, Antigua Casa Alcaldía en Gurabo, Museo Fuerte Conde de Mirasol en Vieques, Centro de Bellas Artes Adolfo Porrata Doria en Guayama, Liga de Arte de San Juan, Universidad de Puerto Rico, Caguas Coop, Museo Histórico de Caguas, Pabellón de las Artes de Caguas y Casa del Ajedrez en Caguas. También ha expuesto en Danbury City Hall, Executive Gallery y Artworks Gallery, Inc. en Connecticut. Gran parte de los dibujos y las pinturas de Alejandro De Jesús permanecen en colecciones públicas y privadas. Algunos de sus trabajos se pueden ver en el Museo de Arte de Caguas. Alejandro es el autor de Fundamentos de la Pintura al Oleo, un curso completo de nivel elemental, intermedio y avanzado. Puede comunicarse con Alejandro a su email  alejandrodjr@gmail.com

Muchas Preguntas y Respuestas

Saludos a todos los estudiantes de arte:

He estado recibiendo mucha comunicación de mis estudiantes, por "email" haciendo preguntas, las cuales he contestado en privado pero he querido publicar algunas de ellas. Aquí les incluyo unas cuantas. He omitido los nombres de los estudiantes para proteger su privacidad. He tenido que omitir también las imágenes correspondientes pues este web me costaría mucho dinero si optara por un mayor espacio. Espero que esta limitación no sea muy limitante y que disfruten el contenido además de que sea de beneficio para todos ustedes.

Cordialmente,
Alejandro

Estimado Maestro Alejandro gracias por compartir sus consejos, quisiera preguntarte como es que se logra valorar nuestro trabajo, como ponerle precio a una pintura realizada por mi mismo, el caso es que pinto porque me gusta y lo hago en mis ratos libres y he llegado a encariñarme con algunos trabajos terminados pero he tenido que venderlos y siempre ha sido mi duda como darle valor económico. ( soy principiante autodidacta y trabajo con oleos ) gracias por su atención!
 
Estimado estudiante:
 
Antes de orientarle tengo que decirle dos cosas. La primera es que mi filosofía es que el arte no tiene que ver absolutamente nada con el dinero. Es algo de naturaleza no material. Desde luego el recibir una recompensa material por algo que nos causa placer resulta muy satisfactoria y ayuda a pagar las cuentas del artista. La segunda cosa es que es natural que se encariñe con sus pinturas pero eventualmente, cuando hayas pintado muchas de ellas se dará cuenta que el valor no está en ninguna de ellas en particular sino en lo que usted va sintiendo por el arte a medida que va aprendiendo más y más y el camino hacia el cual le han llevado. Esto vale más que todo el dinero del mundo.
 
Dicho lo anterior debo decirle que ponerle precio a la pintura de un artista depende de varios factores.
 
  1. La fama del artista
  2. El lugar o mercado donde va a vender su pintura
  3. La lista de precios de pinturas con estilos similares
  4. La lista de precios de pinturas de artistas con talentos similares
  5. El tamaño de su pintura
 
Usted debe asistir personalmente a las aperturas de las galerías y los museos para obtener una idea general de estos factores. Siempre debe llevar su tarjeta de presentación y entregarla para que le incluyan en la lista de correo de invitaciones. Así seguirá asististiendo a estas actividades y pronto se dará a conocer como un artista. Esto resultará en una mayor publicidad a su favor y logrará interés por su trabajo. Los comentarios de los admiradores de arte, los coleccionistas, los dueños de las galerías, oficiales de los museos de arte y los otros artistas también le pueden ir dando una idea en cuanto a su nivel en el mercado. Sin embargo debe filtrar siempre estas opiniones a través de su concepto. O sea lo que a usted le gusta en realidad. Es fácil dejarse arrastrar por la moda del mercado y así convertirse en un “gusto” del mejor postor.
 
Cordialmente,
Alejandro

Saludos  Alejandro:
 
Después de darle gracias  por sus sabios consejos de arte, me gustaría saber que tan conveniente resulta poner mucho pigmento al óleo en un trabajo, es decir, una obra puede tener muy poco pigmento y tendría la misma duración que uno que este bien cargado de pintura. 
 
Estimado Estudiante:

Gracias por su interés en Estudio Alejandro DJ. La pintura al óleo está compuesta de pigmento pulverizado suspendido en algún aceite como el aceite de linaza. Cuando pintamos, por lo general le añadimos a la pintura que sale del tubo, en menor o mayor cantidad una cantidad adicional de aceite o de lo que llamamos "medium" (mezcla de aceite con trementina). Comprendo que su pregunta tiene que ver con la permanencia de la pintura al óleo según la proporción de pigmento al aceite de linaza. Cuando usted le añade poca pintura (pigmento) al medium o al aceite de linaza se crea un color transparente fino a manera de veladura. Creo que esta mezcla es menos propensa a agrietarse que si fuese todo lo opuesto. Desde luego si posteriormente usted piensa cubrir la primera capa de pintura con una segunda capa entonces siempre se debe seguir el método de "graso sobre magro". O sea la primera capa de pintura debe tener muy poco aceite de manera que seque primero que la segunda capa la cual puede tener más aceite. De lo contrario la primera capa al estar secando cuando la segunda capa ya secó, ejercería presión (movimiento) sobre la segunda capa, agrietándola en el proceso. Mientras más gruesa se ponga la pintura sobre el lienzo más propenso es que se agriete.

Las pinturas se aclaran cuando se exponen por años a alguna fuente de claridad como el sol y se obscurecen cuando permanecen en un lugar obscuro como un almacén o sótano. La permanencia del color de las pinturas también tiene que ver con la calidad de la pintura. Con este propósito le recomiendo que consulte la etiqueta en el tubo de la pintura o se informe con el fabricante.
 
Estudiante:
 
Mil Gracias, lo considero un excelente maestro del arte,  me estoy tomando mas en serio el asunto del óleo. Le adjunto un trabajo que hice para que me de su opinión, gracias de nuevo. 
 
Estimado Estudiante:
 
Gracias por sus palabras de elogio. Debemos considerarnos eternos estudiantes para seguir aprendiendo. A juzgar por su obra usted posee mucho talento y le exhorto a que siga desarrollando el mismo. Me gusta la manera en que separó el fondo de la cotorra agrisando los colores y de esta manera comenzando a establecer una jerarquía. También trabajó muy bien el dibujo de la forma. Por ahora puede comenzar a aprender dos cosas sobre la pintura. La primera tiene que ver con la atmósfera. Note que usted ha "recortado" demasiado las formas del pájaro, alrededor y adentro. Es decir todos los contornos son duros. Esto "aplasta" la forma y le quita el volumen, o sea la tercera dimensión. La otra cosa tiene que ver con la temperatura del color. Debe saber que si usted solo emplea colores adyacentes en la rueda de colores para "explicar" una forma, es decir de una misma temperatura, la misma no se verá "natural". Por ejemplo no use solamente los colores rojo y naranja en las plumas. Usted puede jugar "sutilmente" con colores de temperatura opuesta como verdes y violetas. Esto le añade interés y misterio a su trabajo. Estos colores opuestos de ninguna manera deben competir en intensidad con los rojos y naranjas para mantener el principio de jerarquía. Aplicar estos dos principios a sus pinturas mejorará mucho su ejecución como artista. Le adjunto una sección de una de mis pinturas donde puede observar las dos cosas que le indico. Los contornos al final derecho del rostro están más suaves (difusos) y fríos que los de adentro porque la cabeza es como una bola (le adjunto foto de una bola) que voltéa cuya superficie se aleja antes de esconderse hacia atrás. Los colores fríos se alejan y los colores cálidos se acercan. Es el mismo principio que usted siguió entre el fondo y la cabeza del pájaro. Estos contornos también están más fríos (temperatura) que la nariz y el pómulo (cálidos) porque están más lejos. Observe en la forma el juego de colores con temperaturas opuestas. Naranjas, rojos y amarillos que son cálidos contra los verdes, azules y violetas que son fríos. Observe que los cálidos prevalecen porque la piel es básicamente anaranjada. (Las plumas de la cotorra son básicamente rojas). Si quiere puede hacer caso omiso a la textura y grueso de mi pintura pues esto es mi gusto particular. Espero que estas observaciones le ayuden. Mis videos cubren muchos de estos temas en detalle y le llevan en el orden de dificultad correspondiente.
 
Cordialmente,
Alejandro
 
Estudiante:
 
Muy bien,  creo que mi problema está en que no me sale ser un pintor tonalista, aunque me gusta más que ser colorista como usted expresa, cuando menos pensado lo tengo ya mi cuadro tiene  los colores en toda su intensidad. pero me llama mucho la atención  los tonos y esos cuadros donde no aparece un rojo tan rojo, pero creo que lo voy a conseguir. Me llevo muy bien con el dibujo pero al momento de aplicarle los colores siento que se me va la mano.  
 
Estimado Estudiante:
No se preocupe mucho por "cómo usted camina". A medida que usted siga "caminando" y aprendiendo los fundamentos, su manera de "caminar" saldrá de manera automática. Lo que pasa es que su "intelecto" siempre se quiere adelantar a su "sentir". En esto del arte esto siempre sucede. Solo sea honesto, natural y diviértase. El arte es emoción. Le dejo con algo que dijo Robert Henri, Líder del "Ashcan School".

“No se preocupe sobre su originalidad o estilo. No se podrá deshacer  de ello aunque quisiera. Se quedará con usted y se mostrará para bien o para mal, a pesar de todo lo que usted o cualquiera haga”.

Cordialmente,
Alejandro
 
Estimada Estudiante:
 
Me alegro que te haya gustado mi contestación. Yo trato de ser cuidadoso en este tema porque puedo herir a algunas personas que tienen opiniones fuertes sobre el arte. Algo que solamente le digo a mis estudiantes es que hay muchas personas "inteligentes" que no poseen el conocimiento o la sensibilidad que se requiere y estos tratan de "intelectualizar" el arte. Este enfoque inevitablemente deshumaniza el arte pues el arte tiene que ver mayormente con la emoción, es decir el sentir. Es un tema difícil de dilucidar con personas que no son artistas. Un amigo artista, ya fallecido decía que "el que no pinta no debe hablar de arte". A veces creo que tenía razón. Por otro lado la persona que nace con talento siempre necesita un guía. Todos los grandes artistas tuvieron maestros que los guiaron pues toma demasiado tiempo aprender sin nadie que guíe al estudiante. Esta fué la razón para que yo enseñara por tantos años y que recogiera las ideas esenciales en mis 5 videos de Fundamentos de la Pintura al Oleo. También debo decir que estos conocimientos solamente pueden ayudar al estudiante que practica. Nuestro razonamiento solo nos puede llevar hasta cierto punto. En el arte debe haber cierta sinergía, es decir interacción entre el hacer y el sentir. Se requiere el “hacer” para poder “sentir” y el “sentir” para poder “hacer”. Para realizar todo esto debemos tener cierta convicción o por lo menos cierta fé en nuestro propósito.
 
Cada uno de nosotros sabe un poco de algo pero desconocemos tanto de otras cosas. Me parece que lo importante es que nos entretengamos intentando profundizar en ese algo que conocemos. Cuando somos humildes en lo poco que sabemos, obtenemos cierta satisfacción y esto nos hace felices y mejores seres humanos. Esto me hace recordar la pintura "los comedores de patatas" que se encuentra en Amsterdam. Van Gogh la hizo en su período de paleta "oscura" antes de conocer los impresionistas. Una vez él comprendió los colores, su paleta cambió por completo. Yo visité el pueblito de Auvers Sur Oise, como a 20 minutos al norte de París, el último lugar donde Van Gogh vivió. También visité su tumba en este mismo pueblo. Está enterrado al lado de su hermano Teo, en el cementerio detrás de la iglesia de Auvers. Las dos tumbas son muy humildes, tal y como él lo quiso. En algún lugar de mi estudio en Caguas debo tener algunas espigas de trigo que recogí del campo donde él pintaba. Pude haberme bajado del tren que pasó por Arles donde él pintó por lo menos 3 versiones de su "Habitación" pero me arrepiento de no hacerlo. Una de estas pinturas también está en el Museo Van Gogh en Amsterdam. Un hombre muy sensible y sufrido, tenía problemas sicológicos. A propósito, en el mismo viaje hacia el norte visité Giverny, un pueblo también como a 20 minutos desde París pero más hacia el oeste, es decir noroeste. Allí está la casa, estanque y jardín donde vivía Claude Monet. Todo bien precioso, casi no se puede caminar por la cantidad de turistas. Una mina de oro, muy comercial.
 
 
Estudiante:
 
Gracias estimado Alejandro. Con usted aprendí la importancia del uso de sombra de tierra quemada. Adjunto una muestra de mis pinturas más recientes. Soy muy autodidacta pues nadie me enseñó a pintar, solo leo e investigo y continúo aprendiendo ya que quiero llegar mucho más lejos.

Cordialmente.
XXXXXX
 
Estimado Estudiante:
 
Le felicito por su pintura del paisaje y por haberse educado de manera autodidacta. Tiene usted mucho talento para desarrollar. Le exhorto a seguir aprendiendo y mejorando sus conocimientos sobre este medio que tanto amamos. En general la esencia de todas las artes son los opuestos. En la pintura usamos los opuestos en las formas, matices, tonos, contornos, y texturas. En este sentido me permito ofrecerle algunos consejos. Por ahora le recomiendo que intente variar un poco más sus colores incorporando colores de temperaturas opuestas. Si todavía no se siente dispuesto a esto, puede "jugar" con los matices vecinos en la rueda de colores. Por ejemplo, en vez de tener el cielo con solamente un azul uniforme, puede "calentarlo" en algunos lugares de manera accidentada con un azul violáceo y "enfriarlo" en otros lugares con un azul verdoso como el azul thalo o el azul cobalto. Así logrará más riqueza, diversidad e interés en su pintura sin hacerlo predecible. El misterio y la sorpresa en la pintura son importantes. De la misma manera debe añadirle más color al gris de las rocas para que se vean más cromáticas. Lo mismo en el verde amarillento de la vegetación. El conocimiento y aplicación de los colores complementarios en la pintura es vital. También le invito a que pinte mientras observa la realidad de la naturaleza con sus propios ojos. Esta experiencia le brindará una experiencia con los colores y las formas que no puede aprender de ninguna otra manera. Espero que estas ideas le ayuden.
Cordialmente,
Alejandro
 
Estimada Estudiante:

El curso Fundamentos de la Pintura al Oleo va dirigido a enseñar al estudiante los conceptos básicos de este medio. Esto es todo lo que usted necesita para aprender a pintar al óleo. Cuando se dominan estos conceptos se puede pintar cualquier cosa. Aunque el quinto video se especializa en el rostro y la figura, el enfoque es sobre cómo se debe pensar cuando se observan las formas, es decir su topografía. No se aprende a pintar cosas como flores, frutas, jarros, montañas, árboles, playas, botes, personas o animales. Se aprende a pintar y punto. Le invito a visitar http://alejandrodj.com/ para saber los temas que se incluyen en cada sección.
Cordialmente,
Alejandro
 
Gracias Alejandro es un gusto recibir tus regalos de arte por cada uno aprendo algo nuevo 
 
Estimada Estudiante:
Me alegro mucho que te gusten. Los envío con mucho amor.
Cordialmente,
Alejandro
 
Estudiante:

He comprado este curso y lo recomiendo, está explicado de una forma sencilla y tiene gran volumen de información, es útil y esencial, y con la ventaja además de aclarar cualquier duda con este erudito en la materia que es el Señor Alejandro de Jesús, con quien además tuvo la amabilidad de escribirme extensamente después de haber bajado su valioso archivo. Soy testimonio de la calidad del producto según mi criterio, y lo digo con absoluta responsabilidad.
Un saludo profesor, y muchas gracias
 

Estimado Señor XXXXXX:

Muchas gracias por sus palabras. Por muchos años me percaté que no existían libros o videos de algún curso completo de pintura en español con explicaciones claras y sin ambigüedades. Todo lo que había eran demostraciones que explicaban muy poco sobre el proceso y menos sobre el pensamiento que se requiere al pintar. La razón por la cual me tomó 6 años desarrollar este curso es precisamente que quería incluir toda la demostración e información primordial que debe tener el interesado para poder salir hacia adelante. Me acuerdo que al estar enseñando en mi estudio, algunas dificultades se repetían bastante en diferentes estudiantes y al yo explicar y demostrar la solución también la incluía en el libreto de Fundamentos de la Pintura al Oleo. Así estuve desarrollando el curso completo. Otra vez, te agradezco sus elogios.
Cordialmente,
Alejandro
 
Saludos profesor Alejandro,  espero se encuentre muy bien, y que haya podido ver el video que le envié. Tengo una inquietud que me está robando la paz. He seguido la regla de 'fat over Lean' al pie de la letra (creo), y he estado observando que a medida que se ha ido secando la pintura se están empezando a ver las áreas opacas, otras satinadas y otras super brillosas donde menos esperaba ver brillo, en el burnt umber. No sé que he estado haciendo mal. He seguido estos pasos:
 
1 . Primera capa, aguado con trementina para el fondo.
2. Segunda capa con drying linseed oil
3. Tercera capa con linseed oil. 
 
Entre una capa y otra pasaron aproximadamente 2 a 3 días debido a mi poca flexibilidad en tiempo para trabajar mojado sobre mojado, que es como me gusta pintar. 
 
No se, he intentado mantenerme positivo, pero me vence la frustración porque es una obra muy bonita y siento que la estoy echando a perder. 
 
Que me puede recomendar? 
 
 
Estimado estudiante:

Tengo que comenzar diciendo que cuando yo comencé a pintar también tuve que enfrentarme a este problema. Eventualmente me dí cuenta que cuando mis colores se veían opacos, o sea sin brillo, era porque el pigmento y la imprimación habían absorbido (se había chupado) demasiado el aceite. Aprendí que los colores opacos, es decir los que se ven "granosos", como el amarillo ocre y sombra de tierra quemada absorben más que los colores transparentes, como el azul ultramarino y el alizarin. De todas maneras debes aprender cuánto aceite añadirle para que no se vean opacos cuando sequen. Claro que mientras más trementina le eches al medium, menos brillo obtendrás en los colores. Entonces, es cuestión de cuánto aceite le echas en el medium y a su vez cuánto medium recoges con el pincel para mezclarlo con los colores sobre la paleta. Por este motivo yo nunca uso la trementina sola. la proporción de trementina/aceite de linasa es algo personal. Comienza experimentando con 50-50 y después ajustas de acuerdo a la experiencia. Si quieres aun más brillo en tus colores puedes usar "stand oil". Este es aceite de linasa que ha sido calentado por algún tiempo para aumentarle su viscosidad.
Cordialmente,
Alejandro
 
Estimado Don Alejandro,
Me presento me llamo XXXXXX y soy un seguidor de sus videos y de sus consejos para poder aprender a pintar como es mi gran deseo.
Por ello, le quiero si no es una molestia para usted que me diera algún consejo o que pasos debería seguir para poder hacer este cuadro lo mejor y más parecido al original  en cuanto a colores y tonos.
Me gustó mucho saber la técnica que nos mostró para poder conseguir un determinado color pero debo decir que me cuesta bastante poder dar los matices que tiene el original así como en color.
Y por último pedirle consejo de como podría crear las pinceladas y forma que tiene el mar y que imagino que debe estar realizado con espátula.
Le muestro a continuación mi trabajo y el original que intento seguir, también comentar que pensaba que sería más fácil de lo que me está costando.
Los colores que utilizo son amarillo cadmio, amarillo ocre, tierra siena tostada , tierra sombra tostada, rojo cadmio y azul ultramar .En el original noto algún pequeño matiz verdoso, como en el fondo del cuadro al final del agua así como en el propio agua. también algún tono azul en la sombra proyectada por la vela en el agua asi como en ciertas zonas del agua. y algún tono naranja-marrón masa oscuros y claros en el agua.
Me gustaría que me diera su opinión sobre como debo trabajar este cuadro

Gracias de antemano
 
Estimado XXXXXX:

Gracias por su interés en Estudio Alejandro DJ. La contestación a sus preguntas requiere explicaciones y práctica más extensas que las que puedo proveer en este correo electrónico. Le refiero a mis videos en http://alejandrodj.com/  Sin embargo le puedo decir lo siguiente, los colores que usted está utilizando en su pintura me indican que debe estudiar lo que son las tres propiedades del color, (matiz, tono, e intensidad). Esto quiere decir que usted tiene que "saber" sobre la rueda de colores y la temperatura de los mismos  Estas y otras cosas más se aprenden con el estudio, pero sobre todo aplicando este estudio a la práctica constante. Por ahora le puedo aconsejar que se concentre más en el tono/valor de los colores que en el matiz.
Dicho esto, puedo ver que el tono del "agua" en su pintura está un poco más oscura que la pintura original. El tono/valor de la vela de su bote también se vé demasiado claro y el matiz se vé muy frío. Cuando digo frío, quiero decir azul, verde o violeta. Note que la vela original tiene la temperatura cálida, es decir "naranja". De hecho lo primero que usted debe notar es que la pintura original tiene un "sabor" monocromático anaranjado. Usted solamente tiene que entornar los ojos mientras observa ambas pinturas para notar estas diferencias. En cuanto al matiz, le puedo decir superficialmente que el "agua" en el original no tiene tanto "rojo". La intensidad de su rojo en el "agua" es demasiada. Puede bajarla un poco de dos maneras, con un gris de blanco y negro o con su color complementario (verde). Debe también comprender sobre las diferencias en pigmentación, opacidad o transparencia de los colores. Es decir, el amarillo ocre es más débil que el rojo cadmio. Por esto es fácil que este domine rápidamente al amarillo ocre. Además, usted está complicando el asunto cuando incluye en su paleta colores como tierra de siena tostada, el cual usted puede mezclar con su paleta básica. En realidad cualquier siena es un rojo de muy baja intensidad. No gaste su dinero en colores que usted puede mezclar con su paleta básica. Así también aprenderá a mezclar los colores. Por último le recomiendo que se limite a una paleta básica de 2 versiones de los colores primarios, una fría y otra cálida. Mi primer video le indica los detalles sobre esto. Los videos tercero y quinto le orientan sobre las mezclas de colores. http://alejandrodj.com/
Saludos cordiales,
Alejandro
 
Estudiante:
Muchísimas gracias por su rápida contestación y sus consejos trataré de verlo como usted me indica. Compré la mayoría de sus videos hace medio año por medio de un familiar por internet: los videos 2, 3, 4 y 5 y el contenido es muy aclaratorio y me ayuda a aprender mejor y tener más conocimiento sobre la pintura y cuando puedo practicar en mi tiempo libre pongo sus videos como música de fondo para seguir sus indicaciones. Le mando uno de mis primeros ensayos con la grisalla como usted nos enseñó para aprender a conocer y trabajar los tonos. De nuevo muchísimas gracias por su atención
 
Estimado Señor XXXXXX:

La pintura, igual que todas las artes se trata de dominar varias "cosas" al mismo tiempo. Usted es como un malabarista que mantiene 4 ó 5 bolas u objetos en el aire al mismo tiempo. Le advierto que su poder intelectual irá mucho más rápido que lo que puede hacer con su pincel. Solamente disfrute la práctica y el estudio. No hay duda de que irá dominando los fundamentos (las bolas). No piense mucho en la meta. En realidad no hay meta. Se aprende hasta la muerte. “Disfrute el viaje”. Siga viendo y escuchando los videos al mismo tiempo que practica y aplica los fundamentos y pronto todo tendrá mucho sentido. Ya usted domina los tonos en forma monocromática. La segunda etapa, por decirlo así es que debe crear el hábito de mantener estos tonos mientras aplica el color. En este "doble" pensamiento es que muchos estudiantes tienen problemas. Los problemas surgen porque se dejan "engañar" por el color. Recuerde si un color es claro pues su mezcla debe ser “clara”, si un color es más oscuro pues su mezcla debe ser más “oscura”, etc. Cada vez que usted desee mezclar algún color, el tono de ese color tiene prioridad. Debe comenzar por las formas grandes. Primero por los tonos más oscuros. Es decir la barca, su sombra proyectada y la fina franja entre al agua y el cielo. Debe estar consciente que estos tonos son relativos a los otros tonos (contrastes simultáneos). Por ahora haga caso omiso a las diferencias entre estos tonos oscuros. Con sombra de tierra quemada y un poquito de rojo, mezcle un color naranja oscuro "generalizado" no tan oscuro como el más oscuro de la barca pero tampoco tan claro como el más claro de la misma barca o la fina franja. Si resulta muy oscuro puede añadir un poquito de ocre. Esto es así porque lo que se quiere es corregir las sutilezas relativas posteriormente (aclarando y oscureciendo) cuando haya puesto los otros tonos del agua, cielo y vela. La manera de pensar es que usted va a "armonizar" estos tonos y colores según va desarrollando el cuadro. Después de proceder con colores generalizados de esta misma manera con las otras formas "grandes", el agua, el cielo y la vela, entonces puede corregir las formas, los tonos y las temperaturas. Por ejemplo la fina franja es más delgada, más clara y fría que lo que usted tiene en su pintura. Finalmente puede añadirle unos cuantos acentos (tonos más oscuros) y brillos (tonos más claros) a su pintura. Tome cuidado al añadir blanco para aclarar pues este, en el proceso agrisa los colores. O sea le quita la intensidad (le va quitando la vida). Todo este desarrollo viene lentamente con la práctica. Usted no se dará cuenta. Le aconsejo que pinte de la realidad objetiva mucho más que de una foto o de otras pinturas. Así aprenderá mucho más. Espero que estas ideas le ayuden en su enfoque.
Cordialmente,
Alejandro
 
Estimado Don Alejandro

De nuevo muchísimas gracias por su atención y sus valiosos consejos, ésto sólo me da más ánimo para poder terminar el cuadro de forma correcta y poder mostrarle mis avances con su ayuda.
Antes me daba mucho miedo y respeto pintar al óleo porque tenía mucho desconocimiento de los colores y cómo se deben mezclar y utilizar, pero con sus vídeos el tratar de encontrar el matiz, el tono y la intensidad correcta se ha convertido en un interesantísimo juego de descubrimiento.
Muchas Gracias y saludos desde España,
XXXXXX
 
Hola Alejandro,Tengo una duda.¿el tierra de siena tostada se puede utilizar para bocetear?¿se puede sustituir por el tierra sombra tostada?.Si no es así¿que color puedo mezclar con el siena tostada para llegar al tierra sombra natural o tostada?Gracias.Cordialmente XXXXXXXXXX.
 
Estimado estudiante:
 
El siena tostada es más anaranjado (cálido) que el sombra tostada pero se puede usar para bocetear. Si no te gusta el color siena puedes añadirle una pizca de azul thalo o azul cobalto para enfriarlo un poco.
Saludos,
Alejandro
 
Alejandro, de veras que admiro su forma tan propia de expresarse.  Me siento orgulloso de llamarme, su alumno.  Mi opinión es que el artista nace. Sabe? Mi madre es artista, como ya sabe, si le digo algo me lo cree? Pues le comento que ella nunca me enseñó directamente arte, nunca me impuso, nunca me paró frente a una pizarra, o libreta de dibujo y mucho menos frente a un lienzo.   Sin embargo, ella solo se encargó de dirigir mis preguntas e inquietudes lo más cercano a lo correcto ya mi nivel en ese momento, pero siempre fue iniciativa mía. 
 
Excelente respuesta la  que dió. Un abrazo! 
 
 
Estimado XXXXX:

¡Te felicito! Sí, creo que ya sabes lograr bastante el parecido. Ahora puedes trabajar hacia el color y tu propia expresión como artista. Solo hay que seguir dibujando y pintando. Ya verás que todo viene automáticamente a medida que sigas resolviendo los problemas correspondientes. Yo solo estoy aquí para orientarte. Te incluyo un óleo de un señor principal de escuelas que me pidieron hace muchos años. Quiero que veas lo que se puede hacer con una pequeña fotografía muy vieja en blanco y negro. Yo le añadí una cantidad de detalles y algún color para tratar de mejorar lo que ví en la foto. La Segunda Parte de Fundamentos de la Pintura al Oleo habla sobre esto. Aunque no hago estas cosas muy a menudo, creo que estuvieron satisfechos con el resultado de la pintura.
 
Estudiante:
 
Alejandro aquí te envío algunas de mis pinturas a ver que te parece, como te darás cuenta estoy tratando de aprender este arte tan bello.
 
Saludos XXXX
  
 
Estimada XXXX:
 
Me gustaron tus dos pinturas pues demuestran mucha sensibilidad. Las proporciones de las formas están muy bien. Para seguir mejorando te recomiendo que intentes incorporar una mayor variedad de colores a estas formas. Tomemos por ejemplo el color de piel en ambas pinturas, el cual se ve demasiado uniforme (igual). Te incluyo un rostro con variaciones de matices rojos, amarillos verdes, violetas y azules. Estas son solo ideas. No pierdas la cabeza. Puedes comenzar experimentando con un segundo color en una nueva pintura pequeña a ver como sale. Intenta aun cambiar el color blanco en las alas y en el caballo. Te incluyo un ejemplo de un jarro "supuestamente" blanco para que veas algunos colores que puedes usar. ¡Arriésgate para aprender! Todo a tu alrededor es color. Ya tu verás lo mucho que vas a progresar. La Tercera Parte de Fundamentos de la Pintura al Oleo incluye este tema.
Cordialmente,
Alejandro
 
Don Alejandro,  tengo problemas decidiendo si empezar con un background o no.  En este caso decidí hacer un background a mi gusto y terminé adaptándome a la foto original.  Como puedo evitar este problema,  entiendo que estoy pidiendo tiempo, material y enfoque. 

Estimado XXXX
¡Excelente! Te recomiendo que leas sobre Kimon Nicolaides y su libro "The Natural Way to Draw". Este es sobre el dibujo de gesto (gesture drawing) que te había hablado anteriormente. Darás un salto increíble hacia "soltarte" y "sentir". Debes olvidarte de ser tan analítico pues ya tienes la inteligencia y debes de pasar al próximo nivel. Me acuerdo en 1998 que el profesor Martín García de la UPR me invitó para que participara en un taller libre donde participaron profesores y estudiantes. Allí posaron al desnudo muchos estudiantes de ambos sexos y teníamos que ejecutar bastante rápido, de 2 a 5 minutos. Ya yo había tenido alguna experiencia con el dibujo de gesto pero esta experiencia fué inolvidable. El taller duró por un par de meses, una vez a la semana y se repitió varios años. Me puse tan diestro que comencé con carboncillo pero después podía trabajar con mis acrílicos. Mi expresión mejoró bastante. Parece una contradicción pero si lees sobre el dibujo de gesto y practicas, es importante que no lo tomes muy en serio. Te acompaño algo que hice en ese año. Puedes notar la velocidad de las pinceladas. Cuando trabajas lento el "sabor" es muy diferente a cuando trabajas rápido. Esta experiencia te ayuda mucho después cuando haces algo "serio" y cuidadoso.

Estuve viendo algunas marcas de óleos. No había visto la marca Rembrandt. Al parecer tu tienes razón, a juzgar por el precio del cadmium red $30.57 (Jerrys Artarama) debe ser muy bueno  El precio de la marca Winsor & Newton es más bajo $21.29 por el mismo color. Winsor & Newton hace un grado de color más barato "Winton" que se vende por $8.75. El "Pre-tested de Grumbacher también es más barato $14.96.
Cordialmente,
Alejandro
 
De verdad que eso de andar con la libreta de dibujo por todos lados me gusta Jaja. 
 
Éste dibujo lo hice en 10 mins esperando a mi esposa en su trabajo. 
 
Saludos, 
 
XXXX
 
Estimado XXXX:

Debes definir cuál de los siguientes dos propósitos quieres darle al "background" (trasfondo).

1. La primera técnica tiene que ver con una pintura fina y aguada de medio tono con la cual algunos artistas cubren la tela antes de "empezar" a pintar su cuadro  Esta pintura fina se aplica de manera bastante uniforme por toda la tela y por lo general se establece con un matiz terroso de muy baja intensidad y de medio tono. El propósito de este "trasfondo" de medio tono es poder evaluar más fácilmente los tonos oscuros y claros que si la tela fuese blanca. La mayoría de estos artistas incluyéndome, usamos "burnt umber" o  "raw umber" para este propósito. Este matiz terroso de baja intensidad a su vez no interfiere con los colores más intensos que se aplican posteriormente.

2. La segunda técnica es un poco más compleja y personal porque tiene que ver con nuestros gustos particulares. Esto es una pintura que puede ser fina o más gruesa, de uno o más matices, de uno o más tonos y de una o más intensidades. Esta capa se establece antes de "comenzar el cuadro" con el propósito de que actúe como "contraste" con cualquiera de las 3 propiedades del color, matiz, tono o intensidad. Por ejemplo si se quiere jugar con las intensidades, en un área de la tela que se ha cubierto con un matiz verde de mediana o baja intensidad, se podría pintar alguna forma ya sea vecina con capa gruesa o encima con capa fina transparente, un matiz del color complementario, es decir rojo de alta intensidad. Así se lograría un contraste de intensidades fuerte. Los contrastes también pueden se compuestos con más de una propiedad. En este mismo caso el matiz rojo puede ser de tono claro mientras que el matiz verde puede ser oscuro. Así se juega no solamente con los matices sino con los tonos. El mayor problema con este método es la armonía que se debe de lograr sin que los colores "choquen" unos con otros. Este proceso se presta más a la manera de trabajar de los "coloristas". Debo decir que para llevar a cabo este proceso se tiene que tener cierta experiencia y conocimiento de los fundamentos del color.

Te exhorot a inténtar las técnicas explicadas arriba todo pero debo decir que te dejes llevar sinceramente por tus sentimientos y el tipo de pintura que te guste aprovechando los fundamentos de la pintura.

Como dije al principio, es algo personal. En cuanto a mí se refiere, ya averigüé hace mucho tiempo que soy un tipo melancólico, tranquilo y suave que no le gustan los alborotos ni en la música ni en la pintura (el color). La pintura supuestamente "moderna" por lo general no me resulta de mucho valor. Puedes leer entre líneas sobre mis gustos. Mi opinión es que la única manera de encontrar tu camino es practicando lo más que puedas y estudiando los fundamentos. Espero que todo esto te ayude un poco.
Cordialmente,
Alejandro
 
Estimado XXXX:
Yo también he incursionado en el "photoshop" pues en realidad soy bien curioso en todo lo que tiene que ver con el arte. Sin embargo creo que la influencia de cosas como el "photoshop" sobre el arte es mucha y esto en mi opinión ha ido mecanizando los procesos que a su vez le quitan mucho a nuestro arte. Podríamos hablar sobre la cinematografía pero vamos a limitarnos a nuestra especialización. Los artistas que utilizan mucho la fotografía y los métodos modernos de digitalización pueden ser muy ingeniosos para "inventar" imágenes, pero estas por provenir de fuentes mecánicas nunca muestran la emoción/expresión que muestra una obra hecha "a mano" por un artista experimentado. Quisiera que me dijeras tu opinión sobre los ejemplos digitalizados adjuntos. La primera imágen muestra una pareja con colores complementarios de alta intensidad y alto contraste de claros y oscuros. Sin hablar de lo estridente que resultan todos estos efectos chocantes con casi ninguna jerarquía, se puede ver fácilmente que la imágen se "calqueó" en su totalidad de una fotografía con los métodos modernos de digitalización  Si se necesitan más pruebas puedes ver la sección con el acercamiento (zoom) de los "tennis" (zapatos deportivos) en la segunda imagen donde se puede ver el detalle de la foto. Imágenes como esta pueden ser "hechas" por personas ingeniosas con poca experiencia en el arte pero que dominan los métodos modernos de digitalización. Desafortunadamente el mundo a través de los años ha ido en esta dirección pues es un método mucho más fácil y rápido de hacer "kitsch" y mucho dinero. Contra esto nos enfrentamos los artistas. Ahora compara esta imágen "ingeniosa" con las 5 imágenes siguientes de pinturas "hechas a mano" por artistas con mucho talento. La diferencia en la emoción/expresión es innegable. Esto no se puede obtener con una máquina. Solo la mano del ser humano es capaz de captarlo y llevarlo a cierta profundidad de la sensibilidad.
Solo son ideas para que las consideres,
Alejandro
 
Estimado XXXXX:
 
Comprendo tu situación y falta de tiempo. Yo también trabajé por muchos años como "manager" (gerente) en una corporación americana. Sin embargo te daré la misma recomendación que le he dado a tantos de mis estudiantes en tu misma situación. El dibujo es la base de todas las artes plásticas. Lleva siempre contigo a donde tu vayas una pequeña libreta de dibujo y un lapiz de carbón o carboncillo. Puedes tenerlos debajo del asiento de tu carro, en tu maletín o metido adentro de tu portafolio. Lo importante es que no se te olviden. El tiempo es algo que nunca se recupera y uno pierde tanto tiempo. Haz un hábito de dibujar cualquer cosa que esté frente a tus ojos a la menor provocación. Esto puede ser cuando estes esperando el médico, el dentista, el barbero, cuando tu esposa está comprando, esperando en la escuela, en la playa, en el avión, en la guagua o esperando en cualquier lugar. Ya te dije que muchas veces cuando yo salgo con mi esposa al restaurante, dibujo hasta en las servilletas, mientras hablo con todos en la mesa. Este hábito te servirá para acostumbrar a tus ojos a observar con detenimiento. Esto es sumamente importante porque mientras más lo hagas más poder tendrás para controlar tu estado de ánimo. Debemos aprovechar cada minuto. Puedes dibujar de la TV, especialmente de las noticias donde la persona se queda por momentos. No sé si estás familiarizado con el dibujo de gesto (gesture drawing). Esto es un dibujo muy rápido sin pensar en detalles para captar la esencia. Yo he hecho miles de estos que me han ayudado a "soltarme". Debes perder el miedo a los errores. Te adjunto uno de mi libretita donde hice a Gisselle Blondet en Belleza Latina. Como ves, puedes, hacer un dibujo encima del otro pues el tiempo es oro y el papel también. Lo más importante aquí es el SENTIR.
Cordialmente,
Alejandro
 
Buen día! Profesor:
Bueno, ya estoy practicando.  Dibujé a mi nene de 15 años.  Quedó bastante parecido aunque no quedo muy bien en cuestión de tonos porque experimenté varios problemas de compatibilidad entre la mezcla de pasteles, grafito y charcoal y no puse corregir. Pero nada,  ya estoy practicando en vivo. Él modeló para mi durante 45 mins. Le confieso que no supe como comenzar, por más básico que sea.  No se, no se como explicarlo.  No encontraba la proporción, se bloqueó mi mente.  Tuve que relajarme primero.

Estimado Estudiante:
¡Bien! Todo se soluciona con la persistencia. Te incluyo algo que dijo Robert Henri, lider del movimiento "Ashcan School".
"El propósito de pintar no es la pintura, aunque esto no parezca razonable. La pintura, si resulta en una pintura, es un producto lateral y este puede ser útil, valioso e interesante como señal de lo que ha ocurrido. El propósito detrás de cada verdadera obra de arte es la obtención de un estado de ánimo, un estado de funcionar a un alto nivel, más que un momento ordinario de existencia cuyo resultado es el producto lateral de ese estado, un rastro, una huella del estado".
Cordialmente,
Alejandro
 
Estimada XXXXXXX:
Con respecto a los libros que usted debe leer debo decirle que depende del nivel en el cual usted se encuentre. Muchos libros comienzan en un nivel muy avanzado. La inmensa mayoría de los libros de arte que he usado han sido en el idioma inglés por artistas como Richard Schmid,.David Leffel, Lucian Freud, Gregg Kreutz  y otros. Los únicos que conozco en español son de José Parramón. Sería bueno que usted me enviara en un email alguna obra suya para yo poderle recomendar algún libro en específico. No sé si usted ha podido ver muestras de mis 5 videos de Fundamentos de la Pintura al Oleo. Este es un curso completo que desarrollé mientras daba clases en mi estudio por 28 años. Su preparación me tomó 6 años. Este curso comienza desde un nivel elemental hasta el nivel más avanzado.
Puede ver las 5 muestras en http://alejandrodj.com/ Le recomiendo que comience viendo las muestras desde la sección 1 hasta la 5.

Cordialmente,
Alejandro

Profesor
Por cierto, ya le apliqué el gesso a todos mis canvas.  4 capas cada uno, bien lijados, están super hermosos y de buen acabado.  Decidí optar por el gesso ya que mi estilo de vida es acelerada y no tengo tiempo para esperar el un secado de cola de conejo, jeje. 
 
Le envío adjunto 2 fotos, la diferencia entre la primera capa y la última.  Es increíble.  Yo, antes, lo dejaba con una sola capa, que error estaba cometiendo creado y tampoco lo lijaba. Pero nada, esta vez me dí a la tarea de hacerlo bien,  ahora que conozco el método gracias a usted.  

Estimado XXX:
Estuve viendo tus dos canvas. No sé si es mi imaginación pero me parece haber visto que los trazos de la brocha fueron hechos en una sola dirección. Este patrón muchas veces se vé en un relieve un tanto repetitivo a través del óleo. Es decir, sus líneas paralelas se podrían ver cuando la pintura no rellena los surcos. La mayoría de los artistas resuelven esto tirando brochazos accidentados en todas direcciones (ver muestra adjunta) sin crear un patrón definido. Así la pintura resulta menos predecible. No sé si todo esto tiene sentido para tí pues podría ser un poco subjetivo como muchas cosas en la vida. Es solo una de tantas ideas sobre la estética.
Cordialmente,
Alejandro
 
Estimado Estudiante:
¡Muy bien! Cada artista necesita su propio mundo para crear. Es un mundo solitario. Estoy leyendo un libro "To Myself, Notes on Life, Art and Artists" de Odilon Redon y el dice que no se puede crear sin haber sufrido. Creo que esto es cierto.
 
Lo que pude interpretar de ese pensamiento es que cuando algo nos cuesta trabajo, sudor y sacrificio, el esfuerzo nos crea un sentido de valoración por eso por lo que trabajamos y por consiguiente damos lo mejor de sí y logramos un resultado final exquisito.
 
Precisamente es mi pensamiento, digo, si fue que entendí lo correcto.
 
Me ha sucedido que cuando compro un canvas barato, como uno dice, pa resolver,  el resultado final no es un resultado digno del tiempo invertido. Sin embargo, todos estos lienzos que he estado fabricando me han costado tanto esfuerzo que créame,  cuando me pare frente a ellos, voy a depositar lo mejor de mí, mi mayor expresión. 
 
Siempre será un placer dialogar con usted amigo mio.  Dios le bendiga! 

Estimado Estudiante:

El problema es que nosotros no sabemos de antemano el nivel de calidad que va a salir de nuestro próximo trabajo. Una vez, hace tiempo, esperando mis estudiantes por la mañana me puse a pintar sobre un pedazo de papel cubierto con latex gris y cuando "desperté" me dí cuenta que (en mi humilde opinión) había hecho algo muy bueno. Aunque lamenté haberlo hecho sobre este soporte, tomé el papel y lo pegué con gesso sobre un canvas. Todavía lo tengo. Me ha sucedido que mi esposa y yo hemos ido a un restaurant donde me proveen con crayolas. Enseguida se me prende el motor y comienzo a dibujar/pintar a una de mis hijas o a mi esposa sobre el papel blanco que hace de mantel sobre la mesa para entretenerme en lo que viene la cena. A veces surge algo que debí haber hecho sobre una de tus canvas. Yo lo recorto antes de dejar el restaurante. Desde entonces mi esposa me quita las crayolas cada vez que vamos a un restaurante. Ella dice en son de broma que estas obras van a costar un "dineral" cuando yo muera. No lo creo. Lo más probable las usen para cubrir jaulas de gallinas como hicieron con las pinturas de Francisco Oller. Ja Ja.
Cordialmente,
Alejandro
 
Estimado Estudiante:
Te felicito por tus dos tremendas obras de arte. Las proporciones son muy buenas con los tonos correctos desde el oscuro hasta el claro. Creo que estás preparado para dar el salto hacia la pintura al óleo.
Cordialmente,
Alejandro
 
Buen día maestro Alejandro,
 
Vivo en Bogotá, Colombia y quiero comprar sus cursos.
 
Gracias.
 
Hola XXXXX:
 
El curso tiene 5 videos y la mayoría se venden en España. Debe visitar mi página en http://alejandrodj.com/ y seguir las instrucciones
Fué un placer saludarle,
 
Cordialmente,
Alejandro
 
Fundamentos de la Pintura al Oleo

Fundamentos de la Pintura al Oleo es un curso completo para pintar al óleo que consiste de cinco (5) videos. En el mismo Alejandro De Jesús explica el proceso y los conceptos de la pintura al óleo de manera clara y sin ambigüedades desde un nivel elemental hasta avanzado..

Para ver muestras GRATIS de estos videos y  el contenido de cada video puede  visitar:

Fundamentos de la pintura al Oleo

 

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